人独特性：这个体系以"元素性音乐教育"为特色 明显地区别于"传统"教学法和其它各种国外教学法，与"奥尔夫音乐风格"一样，形成它的独特性。
3灵活性：奥尔夫音乐教学没有教学大纲，没有分年级的要求，它的基础教材不要求一首挨一首地进行。而按音乐语言发展的顺序（如唱5、3、再巳 再1；2，先五声后七声等）渐进 它的即兴性更使每年的教材不同 即使采用同一教材的两个不同班级的课，也不出现重复，永远是新鲜的。在德国各地，各校，在运用这一体系的世界各国，都不一样。
4开放性：从实质上说来，奥尔夫教学体系可以归结为一种教学思想，因此它没有框框、不封闭、不排他，可以把各种教学法吸收到自己的体系中来，因而它必然逐步发展、逐步丰富、永远没有终结。
5艺术性 奥尔夫教学体系要求从教师的教学到表演、乐器制作，那伯是最简单的 也必须有艺术价值。奥尔夫教材中很简单的四小节儿童歌曲，在艺术上都很经得起推敲，质量要求很高，音准、音色毫不含糊，在和声、乐曲结构、配器等方面都有它自身的艺术准则。
（二）、元素性奥尔夫把他的音乐称之为"元素性的音乐"，并自喻为"野生物·－．在他的音 乐教育体系中元素性具体表现为：
L节奏为基础，奥尔夫认为音乐中节奏是比旋律更为基础的元素，不同的歌不可能是同一个旋律，却可以是同一种节奏．训练节奏的步骤：
从体感人手，把体内的节奏诱发出来。
单层次的训练：模仿、问答、节奏补充…。
多层次的训练；卡农、多声部节奏。
用节奏为旋律作伴奏。
2．从朗颂入手，奥尔夫认为语言是音乐的根。如"叫人名"；在问了两个音节 数不同的孩子名字之后；就让他们互相有节奏地呼唤或分组呼唤，形成多声部呼 唤。然后是数韵和简单的儿童诗歌．朗诵要素；旋律性（汉语四声较西方语言具有很强的旋律性，可以直接用到音乐中）。
节奏性（汉语也富有节奏性，单词j 词组都可以配乐，童话、童谣、故事等 都可以配上旋律）。
3强调体感，以人的自然性为出发点，发掘人体内的音乐性。
如：按自己的心跳节奏自由走动，在这动中逐步互相协调．达到统一速度，16产生基本节奏感。
身体是最好的器乐 捻指、拍手、拍腿、跺脚等不仅讲究节奏，同时十分注重音色。
不强调理论、概念、名词、术语。如把四分音符、八分音符、二分音符分别称作"走"、"跑"、"拖"。
走走D跑跑走D拖一D拖一D。
规定学生用五声音阶自由创腔 走唱结合。不象传统那样诉诸理性。
形体动作的音乐感形体动作要求自然、有个性、有变化，如果一唱歌就摇头晃脑、身体僵直、这是做作的、勉强的，如果过分强调动作整齐划一，不分男女，不管音乐给个人感受如何，这是机械的、没有个性的。奥尔夫要求的"走"，要有各种不同的走法，还要走出音乐感，与音乐的情感吻合。
拍掌，有一、二、三、四、五指拍 半革全掌拍，轻、重拍等各种拍法 获得多种音色的效果，不能永远是一种风格，所有的形体动作都要富有音乐性。 （三）、综合性奥尔夫认为：音乐决不是一种单纯的艺术，它和语言、舞蹈、等有着天然的联系。音乐的原始形态，就是这样的综合体。音乐在儿童身上表现出来的自然形态，也正是这样三者密不可分。在奥尔夫的音乐教育体系里，朗诵、游戏、律动、奏乐、歌唱、表演舞蹈等都融合在一起，形成十分鲜明的特色。
（四）、创造性L没有师位尊严 杜绝强制性如：在音乐教室里老师弹琴，学生在地毯上跳舞、唱歌、敲打节奏乐等。没有强制行为，他们的音乐天性可以得到自由发挥。
2发挥自由个性，发展创新能力，如要求儿童都用四肢着地．但每个人必须自己设计不同的姿势，不许与他人重复。又如经常在课内让学生按一定的音乐要求自由活动，自己鉴别好坏，逐步趋向统一协调。最终的结果，是有纪律的演出，但这种结果决不是由老师的个人意志强加给学生去完成，而是建立在学生各自个性充分发挥的基础之上，建立在学生的聪明才智，创造能力的发展之上的。
3教师引导学生创造，不是讲授、不是问答、也不是启发式，而是教师引导以学生自己的活动和创造为主，学生自己动手、动脚、动口、去唱、奏、动、跳、游戏、自己设计音乐和动作，在音乐中学习音乐。
4．即兴奏乐，发挥幻想性，奥尔夫认为即兴奏乐是最古老、最自然的形式．乐谱限制了即兴性；使弹钢琴如同操作打印机，演奏者成了乐谱的奴隶。所以他开始不用乐谱，只是"约法三章"后就让学生即兴演奏，以唤起井促进儿童潜在的音乐本能，使学习音乐成为儿童自己的需要．（五）、采用多声部结构与简单的和声体系 引导学生对曲式进行探索。
奥尔夫教材使用的音阶，是最基本的五声音阶；调性是用最基本的大、小调性；旋律的发展手法是最基本的重复手法：音乐结构是互为对比的两个短小乐段反复交替出现的形式。最基本的就是ABA．扩大形式就是回旋曲式。如让学生通过走花样的方法来对曲式结构进行探索，学生随音乐走成圆的队型再走成方的队型，最后又走成圆型，这就是ABA曲式。
